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Etiqueta: teatro

UCR. Oxitocina: voces contra la violencia obstétrica

Escrito en . Publicado en Derechos, Salud.

La obra se presentará en el teatro Universitario del 24 de mayo al 9 de junio

Basada en testimonios reales, la pieza alza la voz en contra de la violencia obstétrica de nuestro país

Obra Oxitocina

Con el objetivo de denunciar y visibilizar, desde una mirada artística, la existencia de la violencia obstétrica en sus diferentes dimensiones, el Teatro Universitario estrena la obra Oxitocina. 

Esta propuesta de investigación-creación utiliza el monólogo como recurso escénico principal, pues la palabra tiene un lugar central en la puesta en escena, y se acompaña de otros insumos como la danza-teatro, la poesía y una escenografía y atmósfera musical sugerente y de corte surrealista. 

Es una pieza escrita por Melissa Hernández Vargas y Amanda Méndez Ramírez quien, además, asume la dirección. 

Las funciones son los jueves, viernes y sábado a las 7:00 p. m. y domingo a las 3:00 p. m. y 6:00 p. m.  

Las entradas se pueden adquirir en la boletería virtual https://shorturl.at/yJVX6, o en la boletería de Teatro Universitario, a un costo de 6000 colones para público general y 3000 colones para estudiantes con carné y personas ciudadanas de oro. 

Para ahondar sobre el proceso creativo, la directora Amanda Méndez Ramírez conversó sobre diversos aspectos de la obra . A continuación, se presenta un extracto de la entrevista. 

-¿Cómo se crea la puesta en escena?

Amanda Méndez (AM): Yo soy egresada del posgrado en estudios de la mujer de la UCR y también soy artista escénica de profesión. En mi posgrado, en el proceso de estudio enfoqué mi investigación y mis intereses a la denuncia de la violencia contra las mujeres en el teatro, específicamente a las directoras mujeres.  

Igual desde antes, en el proceso de bachillerato y licenciatura, también me había interesado mucho estos puntos interdisciplinarios entre las artes, la sociología, estudios de género, entonces mi tesis de licenciatura también tocaba temas por ahí. Luego, por otro lado, tengo una colega con la que escribí el texto de Oxitocina, Melissa Hernández Vargas, ella es psicóloga y tiene desde el 2014 de estar investigando justamente el tema de la violencia obstétrica y su investigación de licenciatura también fue por esa misma línea de un estudio psicosocial sobre la violencia obstétrica. Hizo un proceso de investigación de entrevistas a mujeres para recopilar sus vivencias en torno a este tema.  

De mi interés en el abordaje de estas temáticas y encontrando que Melissa también estaba investigando este tema y ya tenía experiencia justamente en investigación de esta forma o este tipo de violencia en específico, yo le dije que nos uniéramos y que escribiéramos un texto, que hiciéramos un proyecto, que construyéramos algo vinculando a nuestros dos campos, el mío del teatro y mi interés en denunciar la violencia contra las mujeres y el tema que ella estaba investigando, que era propiamente la violencia obstétrica y la denuncia de esta forma de violencia. 

De ahí salió la propuesta y a mí me gusta mucho la investigación artística, es un campo que me interesa mucho explorar y trabajar. Desde ahí mi interés en unir diferentes temas y hacer investigaciones interdisciplinares.

Nosotras dijimos, si vamos a hacer este proyecto, a pensar la escritura y la construcción de una investigación y después el posible montaje, hay que hacer un proceso, no de cero, porque ambas tenemos nuestra formación, pero sí habría que construir un texto que sea propiamente para el montaje, para la obra, para la dramaturgia y que tenga información nueva, no reciclar otras investigaciones u otras entrevistas, sino construir material a partir de entrevistas hechas específicamente para hacer el montaje.

Hicimos una convocatoria para ver qué mujeres estaban dispuestas a compartirnos sus experiencias, sus vivencias en sus procesos de embarazo, parto y posparto, sabiendo que iba a ser una entrevista que se iba a utilizar para construir una dramaturgia. A partir de de esa premisa, hicimos cuatro entrevistas a mujeres de distintos puntos del país y a partir de las experiencias y las vivencias que ellas nos contaron, construimos una única historia, que tiene gran percepción y realidad. Hicimos un personaje ficticio a partir de las vivencias de ellas en sus distintos momentos de vida, inclusive, con hijos o hijas de edades distintas.

Así construimos esta dramaturgia como tal.

-¿Cómo se realiza la investigación y cuál es la importancia de tocar el tema de la violencia obstétrica en una obra de teatro?

AM: Primero que todo, partimos del hecho de que la violencia obstétrica es un tema que ha sido tratado muy poco a nivel nacional, es un concepto inclusive que tiene muy pocos años de apalabrarse, de pronunciarse, no solamente dentro del ámbito académico, sino también como conciencia al respecto de que existe la violencia obstétrica, que se le pueda llamar por un nombre, empezando por ahí. Y después es algo muy importante porque es una forma de violencia que sigue estando muy invisibilizada y sigue quedando mucho en el campo de lo íntimo, de lo privado o visto desde un lugar muy individualizado, de la experiencia de cada mujer, cada una vivió su proceso y pues queda ahí, en el ámbito individualizado en el sentido de que no hay una denuncia política al respecto, no hay una política pública que busque contrarrestar o cambiar esa realidad.  

Por otro lado, a mí se me hace muy importante que dentro de las artes escénicas y propiamente de las artes dramáticas, se busque tocar temas que también aporten a la denuncia de la violencia contra las mujeres. Y esta forma de violencia que es muy particular, que creo que nos atraviesa de una u otra forma a muchas personas, no solamente a las mujeres que han vivido estas experiencias, sino también a todas las demás personas como testigos de estas formas de violencia, ya seamos hijas, hijos, parejas, familiares. Es una realidad que está muy presente en nuestra vida y que es necesario hablar al respecto.  

También el montaje nace mucho de esta búsqueda de apalabrarle, de dar voz a estos relatos, ser un canal, una mediación para aprovechar el recurso de las artes escénicas, aprovechar la difusión, el público y el alcance que puedan tener estas artes para hablar de un tema que también ha sido bastante silenciado.  

En general, es un poco desde esa búsqueda, de dar voz a estas historias y de dar voz a sus discursos y pues traerlos al arte y aprovechar la capacidad que puede tener el arte de ser escuchado, de ser sentido. 

-¿Y por qué se llama la obra Oxitocina?

AM: La obra se llama Oxitocina en principal medida porque en las entrevistas que hicimos, las cuatro mujeres mencionaron la oxitocina como una sustancia, como un componente, que fue relevante en su proceso en el hospital. Hacían referencia al uso artificial para acelerar el proceso de parto, para agilizarles el tiempo de espera, etcétera. De una u otra forma cada una expresaba su relación con este medicamento, con esta hormona que se utiliza para acelerar los partos. 

También, desde este otro lugar más coloquial en el que conocemos la oxitocina como la hormona del amor, como hormona natural que genera toda esta conexión y el vínculo de la madre con su con su bebé, todo el tema de producción de leche materna.  Tiene mucho que ver con las conexiones, con los vínculos que se pueden construir y que es una hormona que tiene un lugar ahí.  

Entonces, jugando con los lugares distintos que puede tener la palabra como tal, desde ese lugar más médico, otro más hormonal y otro más popular, hicimos un entrecruce de los posibles significados que puede tener la palabra. 

-¿Cuáles los retos de hacer un montaje con este tema? 

AM: Mucho mi interés en mi formación en el posgrado, en mis estudios, ha sido justamente reflexionar y pensar sobre cómo es que se tratan estos tipos de temas en las artes escénicas, desde un lugar responsable, que busque alejarse de la revictimización de las personas respecto a la violencia, que busque presentar o representar la violencia desde un lugar de cuidado, no solamente en este caso particular, que estamos utilizando palabras e historias de mujeres que realmente vivieron esos eventos y que no es algo que se puede tratar a la ligera.

Y también desde el lugar de enunciación y presentación de la violencia, desde dónde estamos tratándola, posicionándola, alejándonos de convertirla en espectáculo, y buscando desde un lugar lo más responsable posible, no solamente con las mujeres que nos compartieron sus historias, sino también pensando en el público. 

Por otro lado, también por eso estoy trabajando con mi colega Melissa, que es psicóloga y ha hecho, a lo largo del proceso un trabajo como dramaturguista, que es ese proceso desde una mirada externa, para acercarse por momentos al proceso de ensayos, de construcción escénica y tener una mirada más fresca y que pueda ser más crítica de cómo es que se está representando esta violencia, cómo lo estamos abordando, desde qué lugar se está trabajando los componentes de la historia de las mujeres o algunos otros elementos, otros personajes o interpretaciones que estamos teniendo en el montaje, como enfermeras, el médico y la paciente, etcétera. Cuidar desde dónde se está construyendo todo el discurso y toda la historia, justamente buscando alejarnos de una visión más gratuita, simple o ligera de abordar las violencias. Estamos tratando de ser muy cuidadosas en su tratamiento. 

-¿Cómo está planteado el montaje? 

AM: El montaje está planteado como una tragedia contemporánea. Estamos abordándolo desde el lugar de la memoria y el recuerdo, recopilando la forma en que los relatos son contados.  

Estamos utilizando el elemento de la memoria y el recuerdo para construir el estilo y el formato del montaje.  

El montaje tiene un estilo que podría transitar mucho dentro de lo onírico, lo surreal, lo que está basado en cómo vienen los recuerdos a la mente, cómo se hacen saltos en el tiempo, cómo de repente una está recordando algo y ese recuerdo te trae otro recuerdo. Estamos buscando mucho jugar con esa cualidad de la memoria y escenificarla, y es algo que estamos construyendo, utilizando mucho el lenguaje poético.

Con el estilo estamos utilizando el lenguaje de la danza- teatro, que se aborda mucho desde la emoción, los sentimientos, desde un lugar muy honesto por parte de las personas intérpretes  

-¿Cuál el mensaje o lo que ustedes quieren que el público se lleve luego de ver esta obra? 

AM: Primero que todos nos interesa destacar este componente psicosocial de la violencia obstétrica. Destacarla como una problemática social y no como una problemática individualizada.  

Sumar una denuncia más a las distintas denuncias que se han ido construyendo, no solamente de las mujeres que de su propia voz y desde su propio lugar, denuncian, sino también desde investigaciones y diferentes instituciones, organizaciones que también están a favor del parto respetado, del parto organizado y de los derechos de las mujeres en sus procesos de embarazo parto y posparto.  

Hay un concepto que utiliza Melissa en su investigación, que tiene que ver con cómo se aborda el daño que generan este tipo de situaciones y sacar ese daño de lo privado. Estamos buscando, de alguna forma sacar a la calle este tema, sacarlo fuera del hospital, de la de la casa y también abordarlo desde un lugar que no culpabiliza a la persona que experimenta eso. Creo que hay un énfasis en librarse de la culpa que ha generado esta experiencia, que ha generado este daño. 

Desde esos dos lugares estamos buscando atravesarlo y generar una sinergia, un encuentro entre las distintas historias, porque sabemos son historias que se pueden repetir a lo largo de los años y posiblemente la historia que vivió mi mamá hace 36 años, pueda tener un montón de cosas compartidas con lo que está viviendo una mujer en este momento. Es hacer esos encuentros entre historias y replantearse que ya es tiempo de romper esa cadena de violencia obstétrica que tiene muchos años de estar creciendo.

Andrea Marín Castro
Periodista Oficina de Comunicación Institucional, UCR

El Jubilado, nuevas presentaciones este fin de semana

Escrito en . Publicado en Cultura.

Le invitamos a la adaptación libre del canto del cisne, el Jubilado, dirigida por Rogelio Fernández con la actuación de Marco Kiko Palma.

Las funciones serán en el Teatro de Bolsillo, ubicado de la Municipalidad de Montes de Oca 100 metros este y 80 metros sur. 

La obra se presentará este sábado 24 de febrero a las 7:00 p.m. y el domingo 25 de febrero a las 6:00 p.m.

La entrada tendrá un precio de 8000 colones. Puede adquirirla en la boletería del teatro o bien, llamando al número 8714-6784.

¡Le esperamos!

Los griegos de la antigüedad – Su legado en la civilización de occidente

Escrito en . Publicado en Análisis, Aportes para el desarrollo.

Rafael Sanzio; La escuela de Atenas, c. 1511

Juan Jaramillo Antillón

Se ha señalado, no sin razón, que la organización de lo que se llamó civilización occidental y su cultura descienden de la obra y realizaciones de los griegos de la antigüedad. Lo extraordinario es que Grecia, una pequeña nación, relativamente pobre, montañosa y árida, situada en la Europa Mediterránea del sur, con una población relativamente escasa si se compara con los pueblos que la rodeaban, haya dejado una huella cultural tan profunda. Los grandes pensadores griegos que vivieron hace 2,500 años dieron lugar a nuestras ideas modernas de medicina, política, historia, filosofía, ciencia, matemática, arte, teatro, comercio, deportes, etc.

Todo lo anterior, a pesar de que la sociedad griega era tremendamente belicosa. Estaba dividida en ciudades-Estado, que eran cada una, una unidad política con tierras de cultivo a su alrededor y cuyos campesinos sembraban y recogían la cosecha para alimentar a la ciudad. A la cabeza de cada ciudad había un consejo o gobernador y, en algunas, hasta un rey. El problema es que estas ciudades-Estado se pasaban continuamente guerreando entre sí, hacían componendas entre ellas para atacar a la que antes había sido su compañera. La conquista era una de las características de estas guerras, así como la obtención de esclavos como mano de obra barata. Incluso eran atacadas o atacaban a países vecinos. Por esa razón, sus ciudades estaban rodeadas de grandes murallas.

Si se analizan cuidadosamente los logros de las ciudades-Estado, se verá que entre más autoritaria y militarizada era, menos aportaba a la creatividad no guerrera y a la cultura general. Ejemplo de esto Esparta, donde los niños desde los 7 años eran aparatados de sus familias y entrenados para las guerras, de hecho, todos los ciudadanos eran guerreros. En cambio, Atenas, donde se fomentaba el conocimiento general entre la población, fue el crisol del conocimiento humano de su tiempo en la Tierra.

Todo lo anterior, dio lugar a una historia llena de triunfos y fracasos y, hasta se podría decir que, a fin de cuentas, la griega era una civilización inmadura e inestable. Pero, a pesar de lo anterior se impuso a civilizaciones más antiguas y llenas de tradiciones como es el caso de la existente en Persia, Babilonia, y Egipto, todas diez veces mayores en su tamaño geográfico y población. El Dr. Erwin Schrödinger, uno de los padres de la mecánica cuántica señala:

No es posible liberarnos de la aplastante influencia de los pensadores griegos de la antigüedad, ignorar el pasado es no sólo indeseable, sino simplemente imposible. Uno no necesita conocer las doctrinas y escritos de los grandes maestros de la antigüedad, de Platón o de Aristóteles, no necesita haber nunca oído sus nombres, para estar, sin embargo, bajo el hechizo de su autoridad. Su influencia no sólo se ha dejado sentir sobre quienes aprendieron de ellos en la antigüedad y en los tiempos modernos; todo nuestro pensamiento, las categorías lógicas en las que se mueve, los esquemas lingüísticos que utiliza (ya que por consiguiente lo dominan), es en cierto grado elaboración y, en lo fundamental, el producto de los grandes pensadores de la antigüedad.

La fantasía y la realidad de ese pueblo, sus dioses, sus gobernantes y guerreros, fueron descritas inicialmente por el escritor y poeta Homero, que vivió y escribió sus poemas heroicos la Ilíada y la Odisea, hace unos 900 años a. C., La primera trataba del rey Agamenón de Grecia, del guerrero Aquiles y la conquista de Troya (situada en lo que hoy es Turquía), en un lado del Helesponto y cobrando por el paso de todas las naves que viajaban al mar Negro. Dejando de lado el cuento del rapto de Helena, la esposa del rey Agamenón por Paris hijo del rey de Troya, la realidad es que la guerra los griegos la hicieron para apoderarse del estrecho que dominaba Troya y evitar los cobros y, al final, destruyeron a Troya en el año 1200 a. C.

El segundo poema, cuenta las aventuras que por diez años vivió el guerrero Odiseo (Ulises) después de combatir en Troya y tratando de regresar a su país.

Por la misma época, otro poeta, escritor y agricultor llamado Hesíodo, contemporáneo de Homero, en su libro, Teogonía, nos hablaba del origen del universo y de los dioses griegos. Y en Los trabajos y los días describía la Grecia de su tiempo; las dificultades para trabajar, en especial en el campo, y el gran valor del trabajo que mantenía a la ciudad. A diferencia de Homero, que le daba gran valor al estar guerreando, Hesíodo pregonaba la importancia de la paz para poder trabajar, producir y progresar.

Por siglos se consideró que los relatos homéricos eran solo cuentos y fantasías y que nunca había existido la ciudad de Troya y sus guerras. Sin embargo, el comerciante alemán Heinrich Schliemann, sí creía que esos poemas eran parte de la historia de los griegos. Estudió arqueología, aprendió griego y viajó a Turquía en 1870 y, excavando en un sitio, encontró las ruinas de Troya.

La realidad es que, posteriormente a estas figuras, un grupo de personas, inteligentes y audaces, se negaron a continuar creyendo en esos dioses peleones y los sacerdotes que decían representarlos en la Tierra, y trataron de encontrarle una explicación más lógica y racional a los fenómenos que naturales. Ellos llegaron a la conclusión de que el ser humano no tiene más que dos medios para conocer las cosas: mediante los sentidos, viendo los objetos, o deduciéndolos mediante la inteligencia; en ambos casos adquirir el conocimiento era un acto de razonar y por ello dieron tanto valor a la mente o cerebro. Ya el médico Alcmeón de Crotona miembro de la secta de Pitágoras, había señalado que el cerebro era el centro de la inteligencia. Algo que después el «padre de la medicina», Hipócrates, había confirmado ampliamente en el tiempo de Platón y Aristóteles, de quienes fue amigo.

Estas personas fueron llamadas pensadores y dieron lugar con sus estudios y análisis a lo que se llamó «Filosofía» del griego fileîn, amar, y sofía, sabiduría. Ellos trataban de encontrar con sus estudios la verdad de por qué suceden las cosas. Así pues, la filosofía dio lugar también a la ciencia. La filosofía con carácter de ciencia tiene como fundamento que el hombre no posee el conocimiento de las cosas, sino que tiene que indagarlo, lo que significó una búsqueda permanente por un grupo genial de pensadores griegos, comenzando con Tales, Anaximandro, Alcmeón, Heráclito, Jenófanes, Parménides, Leucipo y Demócrito, Sócrates, Hipócrates, Platón, Aristóteles, Epicuro y muchos más. Por supuesto, China tuvo pensadores de igual talla como Lao Tse, Confucio y la India con Buda, en lo que respecta a Asia, pero ninguna nación tuvo tantos y tan valiosos pensadores en un lapso de solo dos siglos, aproximadamente del VI al IV a. C.

Notas

Asimov, I. (1995). The Greeks: A Great Adventure. Boston: Ed. Houghton Mifflin, C.
Bochenski, J. M. (1986). Introducción al pensamiento filosófico. Barcelona: Editorial. Herder.
Bowra, C. M. (1967). La Grecia Clásica. Países Bajos: Time-Life International.
Bowra, C. M. (1983). La Atenas de Pericles. Madrid: Alianza Editorial, S. A.
Capelle, W. (1972). Historia de la Filosofía Griega. Madrid: Editorial, Gredos.
Coplestone, C. (1969). Historia de la Filosofía. Grecia y Roma. Vol. I. Barcelona: Editorial Ariel.
Durant, W. (1978). The Story of Philosophy. Nueva York: Ed. Simon & Schuster.
Werner, C. (1962). La philosophie grecque. París: Ed. Payot.

 

Compartido con SURCOS por el autor.

Talleres de verano para niños y niñas en la Benemérita Biblioteca Nacional

Escrito en . Publicado en Cultura, Derechos.

Miércoles 31 de enero, 10:00 a.m.

Taller Tejonero del mar, con la autora Leda Cavallini.

Dirigido a niñez de 7-9 años

Inscripción: https://forms.office.com/e/0E9VSLpkMm

Invitan Editorial Santillana, Loqueleo y la Benemérita Biblioteca Nacional

Jueves 1 de febrero, 10:00 a.m.

Taller Mi pequeño teatro de papel o kamishibai, con el autor Carlos Rubio

El kamishibai es el antiguo arte japonés del teatro papel para narrar cuentos. En este taller de verano, el Dr. Carlos Rubio, recordará con niñas y niños esta tradición milenaria, con el fin de potenciar la fantasía y la creatividad.

Dirigido a niñez mayor de 9 años

Inscripción: https://forms.office.com/e/6pf5MfuYuQ

Invitan Editorial Santillana, Norma, la Benemérita Biblioteca Nacional y la Universidad de Costa Rica

Invitación: Visita a la Benemérita Biblioteca Nacional con música y teatro

Escrito en . Publicado en Cultura, Derechos.

La Benemérita Biblioteca Nacional y el Proyecto de TCU-685 de la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica, se complacen en invitarle a la Visita a la Benemérita Biblioteca Nacional con música y teatro.

Las visitas se realizarán en los siguientes horarios

Viernes 8 diciembre, 9 a.m. a 10 a.m.

Lunes 11 diciembre, 10 a.m. a 3 p.m.

Miércoles 13 diciembre, 10 a.m. a 11 a.m.

“Eduardo Zúñiga: Sobreviviente de la burocracia teatral”

Escrito en . Publicado en Análisis, Aportes para el desarrollo.

“En Costa Rica es necesario morirse
para recoger el reconocimiento de este pueblo
desdeñoso y pasivo”.
Yolanda Oreamuno.

Víctor Valdelomar Mora

El pasado 25 de julio, falleció el señor Eduardo Zúñiga en su casa de retiro en Cahuita de Limón.

Eduardo fue un compañero del quehacer teatral, siempre solidario y dueño de un humor, a veces negro, a veces crítico, pero siempre ingenioso.

“Cada uno de nosotros tiene su propia historia” La historia de Eduardo inicia finalizando los años ochenta, en un local en las cercanías del parque Morazán, en el que se inaugura el Teatro La Colina. Ahí se presentaron obras como “Felicidad” del dramaturgo mexicano Emilio Carballido, dirigida por Eduardo.

Para este momento, el Ministerio de Cultura, Juventud y Deportes provee a los teatros independientes de una suma simbólica que, en el caso del Teatro La Colina, les permitía cubrir el alquiler del local y la publicidad del espectáculo.

Memorable es la creación colectiva “Parada, por favor”. Pequeñas situaciones dramáticas de corte popular imaginada como una travesía en un bus de un barrio josefino. En este espectáculo hacen sus primeras armas la actriz Valessa Villalobos, Alexander Campos y Arnoldo Ramos, quienes posteriormente brillarán con luz propia en nuestro universo artístico.

Eduardo Zúñiga

Sin embargo, en el año 1986, el Ministerio de Cultura retira esta ayuda, probablemente, presionado por los constantes recortes presupuestarios de que es víctima desde hace décadas.

“La función debe continuar” es un refrán que aplica para cualquier labor del espectáculo. La opción para Eduardo era “tirar la toalla” y encadenarse a la maldición que todavía, hoy día, persigue a los jóvenes y veteranos teatreros: Hacer teatro sólo para pagar el alquiler del local y la publicidad del espectáculo.

Eduardo, entusiasta creador y excelente administrador, se dio a la tarea de incursionar en la escritura teatral y echando mano de su ingenio humorístico, popular e incisivo, a principio de los años noventa, inaugura El Teatro Chaplin. Espectáculos inolvidables como: “90210 de Colonia Kennedy” y “La noche de los gritos y las plumas”, entre otros, le dan la bienvenida a cientos de espectadores de todos los estratos sociales.

Actores y actrices nóveles, en su mayoría egresados del Taller Nacional de Teatro, pudieron hacer sus primeras armas en la actuación: Lorena Varela, Carmen Chinchilla, Francisco Salazar, Jaime, Castro, Rosibel Carvajal, entre otros.

Mientras se presentaba “La noche de los gritos y las plumas”, sucedió una situación interesante: la comunidad gay se quejó de una actitud burlista hacia ellos. Eduardo propuso llevar el espectáculo al centro nocturno “La Avispa” y pedir la opinión de los espectadores. El resultado fue, por supuesto, a favor del espectáculo.

Los espectáculos del Teatro Chaplin fueron polémicos durante su existencia. Echémosle la culpa a un asunto de “gusto” y no a juicios empíricos, o a una crítica teatral elitista.

Una auténtica valoración del trabajo titánico del teatro independiente seguirá esperando que San Juan baje el dedo.

De mi parte, sólo me queda decir: Disculpas, Eduardo. Más vale tarde que nunca.

Elenco Teatro Chaplin

Teatro infantil llega a la UNA

Escrito en . Publicado en Cultura, Derechos.

Paula Bernini, Brenda Carrillo y Bryan Guzmán serán los intérpretes en Tiliches, Chunches y Otros Cachivaches. Foto: Cortesía Teatro UNA.

“Tiliches, Chunches y Otros Cachivaches” es la nueva puesta en escena del Proyecto Teatro UNA con la que estudiantes de Arte Escénico y Danza pretenden conquistar la imaginación del público infantil desde el 25 y hasta el 27 de agosto en el Teatro Atahualpa del Cioppo.

Tres singulares seres de Tilichelandia presentan a su amigo Mr. Grip, un viejo músico hecho de varios objetos. Este invitado especial compartirá un regalo para el público, pero para lograrlo, primero necesitará escuchar tres historias que lo ayudarán a creer en sí mismo. Randy Gutiérrez, estudiante de licenciatura de la Escuela de Arte Escénico y Tayrona Castiglioni, estudiante de la Escuela de Danza, son los directores de esta historia que está dirigida a los más pequeños.

“Esa es una obra de teatro de objetos donde se combina el arte del pop-up y la manipulación de objetos para crear un mundo mágico y lleno de creatividad. El reto es crear una obra con temática infantil que hable de temas importantes como: creer en uno mismo, amarnos por lo que somos y saber que todos tenemos un propósito en nuestra vida. Este proceso de creación me ha brindado la oportunidad de poner a prueba mis habilidades artísticas, no solo como director, sino también dando mis primeros pasos como investigador en las artes escénicas”, dijo Gutiérrez.

Para Castiglioni “fue bello poder generar desde la imaginación este mundo mágico. Siempre he pensado que crear desde el teatro de objetos es de los lugares más nobles del arte, en donde le das vida a otros seres y como artista pasas a un segundo plano. Ha sido un proceso en donde investigo y experimento desde otros lados del arte, con Intérpretes que generan de sus mentes ideas mágicas”.

La obra contará además con las interpretaciones de Brenda Carrillo y Paulina Bernini, estudiantes de licenciatura de la EAE-UNA y Bryan Guzmán, estudiante de la Escuela de Danza.

Teatro UNA es un proyecto Integrado de la EAE-UNA que, a través de sus componentes de Docencia, Investigación, y Extensión promueve un espacio profesional para los estudiantes de la carrera en Arte Escénico, quienes, a través de procesos creativos de montaje y procesos de investigación escénica, promueven y comparten el conocimiento generado desde el bachillerato y la licenciatura en Artes Escénicas con la comunidad nacional e internacional.

La obra se presentará con el apoyo de Teatro en el Campus el 25 de agosto a las 4 p.m. sábado 26 y domingo 27 a las 11 a.m. en el Teatro Atahualpa del Cioppo del campus Omar Dengo en Heredia, la entrada es gratuita. Para más información visite Facebook: Teatro UNA o Instagram: teatro.una

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Universidad Nacional, Costa Rica

Festival artístico “Las Julias” llena de teatro a la UNA

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Por segundo año consecutivo, la Escuela de Arte Escénico organiza el festival artístico Las Julias, un encuentro no solo dirigido a los estudiantes de la carrera, sino también a la comunidad nacional. Los participantes tendrán acceso a talleres de percusión corporal, espacio cuerpo y gesto, entrenamiento actoral y de máscara expresiva, presentaciones artísticas, conciertos y conversatorios de manera gratuita.

Entre los artistas invitados estarán la agrupación Ráfaga Teatro, quienes han trabajado con poblaciones vulnerables a través de un teatro físico gestual, de máscara y de calle. También nos visitan Karina Gutiérrez y Antonio Salina, todos provenientes de México, los dos últimos presentarán unipersonales.

Al talento extranjero se le suma el nacional entre ellos Impromptu Teatro, quienes utilizan la improvisación para contar historias que se generan y desarrollan en el momento mismo de actuarlas, el público participa dando sugerencias sobre situaciones, personajes o lugares en los que se desenvuelve la acción, van «descubriendo» la trama de la historia que cobra vida en el escenario.

Este II Encuentro de Artes Escénicas Las Julias 2023 se realizará del 3 al 7 de julio en el Teatro Atahualpa del Cioppo y el Centro para las Artes, ambos ubicados en el campus Omar Dengo de la Universidad Nacional en Heredia.

El objetivo es proveer un espacio para estimular la práctica de la creación artística, donde tanto estudiantes como público general, experimenten un festival de técnicas, conversatorios, presentaciones, invitados nacionales e internacionales y puedan abrir sus puertas al medio, así como, pensar sobre las prácticas y los modos de creación artística.

El siguiente es el cronograma completo de las actividades programadas para la próxima semana, todas son gratuitas. Para más información comuníquese al 2277-3386 o visite las redes sociales de la Escuela de Arte Escénico.

Oficina de Comunicación
Universidad Nacional, Costa Rica

Obra de teatro: Lluvia de colores

Escrito en . Publicado en Cultura, Derechos.

El próximo domingo 11 de diciembre del 2022 a las 10:00 a.m. el Profana el Festival le invita a esta linda obra, presentada por las/os estudiantes de los talleres de Teatro Comunitario del Proyecto Sabanilla Cultural de Montes de Oca.

El Grupo Infantil culminará su proceso 2022 con la adaptación libre de la obra “El Hombre de la lluvia“ de Thonas Landa.  Bajo el nombre de “Lluvia de colores”, nos traerán a escena esta obra dirigida a niños y actuada por niños. La obra trata el tema de cómo el agua de lluvia puede beneficiarnos o afectarnos y depende de nosotros para dónde inclinamos la balanza. El exceso de basura, la deforestación puede causar grandes daños cuando llegan las lluvias, por ello podemos mejorar nuestro comportamiento humano. Es un juego escénico para toda la familia.

Además, tendremos feria de emprendedores donde usted podrá adquirir regalos para toda la familia, comidas, talleres, música en vivo, teatro, circo y mucho más.

Nos vemos al costado sur del parque Morazán en el Centro Cultural Key Largo.

Entrada gratuita.

Para más información comuníquese al: 6220 9011.

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